フレヤ・ヘリアー：あなたは各アルバム毎に“スピリチュアル・マニフェスト”を書いていると言ってきましたね。『ビッグ・マネー』での思想とは？

ジョン・バティステ: ああ、『ビッグ・マネー』の根底にある思想は、世界を見つめること、資本主義を検証すること、そして内なる子どもを見つめ、その子ども心を数多の事象が同時に起こっているように見える現代の只中で生き続けさせることにあるんだ。

創造的に、音楽的に、自分が夢中になれるものに没頭すること。ただありのままの自分でいること。AIが浸透する現代において、集団が集う真の本質に触れること。テクノロジーが私たちを分断し、進化を続けるこの時代にあって、人間の魂という根源的なテクノロジーを思い出しながら、これらすべてを同時に語り合うこと。それを私が「ニュー・アメリカーナ」と呼ぶ、極めてシンプルな形で語ることが本作の核心なんだよ。

ニュー・アメリカーナ

FH：ニュー・アメリカーナについて話していましたね。そのアイデアをもう少し掘り下げて、本物らしさについて語れませんか？この新作アルバムには本当にオーガニックな質感が感じられ、タイトル曲の「ビッグ・マネー」では大金を追い求める危険な道筋と、それが私たちに与える影響を描いています。あらゆるものが文字通り売り物と化したこの時代にあって、クリエイターとして、その境界線をどう歩んでいるのですか？

JB：家族旅行に行ったんだけど、その間ずっと繰り返してた冗談があるんだ。広告とかSNSで流れてくる動画を見ていると、誰かが心から大切に思ってるものを語っていて、本当に心を込めて話してるんだ。そしたら動画の最後に商品が映って、「これは販売中です」って言うんだよ。まるで今や全てが売り物になったかのようだよ。心の奥底にある最も響く場所さえも。そして我々はいま、AIが声の本質や魂の本質、アーティストや人間の本質までも取り込み、商品化している光景を目の当たりにしている。私は必ずしも現代の技術的進歩に反対しているわけではないんだよ。しかし歴史上かつてなかった形でそれが起きていることは非常に興味深いね。

つまり、かつては計測不能で、数値化できず、大きな内的価値を持つと思われていた数多のものが、いまや売り物になっている。「ビッグ・マネー」は正にそのことを提示する声明なんだ。

FH：定量化できず、測定できず、大きな内在的価値があると思われていたものの多くが売りに出されており、「Big Money」というのはまさにその通りだと思います。

JB：このアルバムは意図的にオーガニックな作りになっている。過去のレコード制作手法とは必ずしも同じではない——そもそもそれが可能だとは思わない——が、多くの演奏は一発録りで、バンド演奏も最初から最後までワン・テイクさ。編集は一切なく、ボーカルもオートチューンで調整していない。現代のレコードで多用されるような、現代風にアレンジされたプロダクション技術も一切使っていない。このアルバムではそれらを一切採用していない。だから、そう、極めてオーガニックなアルバムだと言えるよ。

そして素晴らしいのは、全員が同じ空間に集まっているって事なんだ。同じ空気を吸い、同じ空間で演奏する。それを聴く時、そこには繋がりを感じる。その空間とその瞬間とが繋がるんだ。そして作品のテーマは皮肉という両極の間を行き来するものとなっているんだ。

ピアノの偉人たちの殿堂

FH : セロニアス・モンクの「天才とは最も自分自身に似た者である」という言葉を引用されていますが、ご自身が自在に行き来できる様々な表現様式の中で、どのようにして自分自身を見出しているのでしょうか？

JB：すべては自分自身から、つまり本質から生まれている。響き渡っているのは常に自分自身の声なんだ。そして、もしあなたが本当に意味のあるもの、あなたの一部であり、血の中に流れ、DNAに刻まれたものへと繋がることができれば、どこへ行こうと、どんな様式の方向へどれほど遠くへ行こうと関係ない。その本質は自分自身であり、それが自分自身に忠実であることの美しさなんだ。

アーティストとして、他者に対しても自分に忠実であることを促す力を持つ。それは単に、あなたの中に宿る光を思い出させるものなんだよ。そしてスタイルとは、それを伝えるための手段に過ぎないんだ。

FH : セロニアス・モンクは、まさに独自の道を歩んだ人物でした。彼はあなたのピアノのヒーローの一人ですか？ あなたがピアノの偉人たちの殿堂に誰を掲げているのか、気になります。

JB: そう、セロニアス・モンクは私のヒーローの一人であり、彼が創り上げたピアノの響きには大きな影響を受けたよ。19歳のとき、私はほぼ一年間モンクばかりを聴いていた。そしてその時期に『Live in New York: At The Rubin Museum Of Art』というアルバムを制作したが、そのアルバムではモンクの奏法の本質が私のピアノ・アプローチに浸透しているのがはっきりと聴き取れるよ。それ以来、モンクは私の大きな研究対象であり、常に立ち返る存在なんだ。

モンク以外に影響を受けたのはデューク・エリントンだね。彼はモンクと同時代のピアニスト／作曲家／バンドリーダーであり、自らバンドを結成し、率いるバンドを基盤に楽曲を作曲した。彼のピアノスタイルは非常に作曲的であり、バンドリーダーとしてのアプローチや作曲手法に浸透した、この3次元的なピアノ演奏へのアプローチが私は好きなんだ。

だから、私に最も影響を与えたピアニストたちはそういう人々だよ。ジョン・ルイスも同様に重要であり――モダン・ジャズ・カルテットでの活動を通して――あるいは20世紀初頭のニューオーリンズ・ピアノの伝統から出たジェリー・ロール・モートン、彼もまた作曲家であり天才であった。挙げればきりがないよ。

ジャンルよりも伝統

FH：伝統は明らかにあなたにとって非常に重要なものですね。ジャンルよりも伝統を重んじる姿勢について、お話しいただけますか？他者が築いた道を歩みつつ自らの道を切り拓いて行くというプロセスについてお聞かせください。

JB：誰かが前に成し遂げたものを見て、その中に自分自身を見出すのは美しいことだよ。自分が好きなものはすべて自分自身さ。自分に響くものはすべて、すでに自分の内に存在する要素だからこそ響くんだ。だから伝統の美しさは、人類史の系譜、創造の歴史と成果の系譜全体を眺め、その中から自分に響くものを見つけられる点にある。

そしてそれを学び、研究することによって、自分自身を深く知ることができる。やがてそれは自らの実践の一部となり、もはや意識する必要すらなくなる。なぜならそれが鍵なのだから——何かを試すこと、それは単なる勉強の形ではない。それは技術ではなく、在り方そのものだ。技術を手に入れ、自らを謙虚にして取り組んだ事柄の達人となった時、初めてその伝統を継承できるんだ。自らの声を通じてその声を継承できる。あらゆる芸術の美しさはそこにある。創造へ、コミュニティーへ、芸術が生み出されるあらゆるコミュニティーへ——高尚なものから大衆的なものまで——私たちの繋がりの糸が連続するんだ。芸術はそのようにジャンルに縛られない。私たちはあまりにも広大なのだから。

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フレヤ・ヘリアーは”Everything Jazz”のコンテンツ編集者。BBCラジオ3、ラジオ4をはじめとする放送局で、あらゆるジャンルの音楽に関する番組制作に長年携わってきた。

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